그래픽 디자인 展 | 2005~2015, 일민미술관 (3.25 ~ 5.29) 1층

그래픽 디자인전, 2005-2015, 서울

  • 전시장소: 일민미술관
  • 전시기간: 2016.3.25 – 5.29 (전시종료)

일민미술관은 기존 대형 미술관들이 보여주는 입문하기 쉽고, 주제가 명확한 행보 보다는 조금 더 감각적이고 이해가 필요한 주제의 전시를 한다. 이번 전시는 ‘그래픽 디자인’이라는 큰 제목을 중심으로 디자이너들이 어떻게 본 주제와 호흡하고 표현하는가를 표현했다. 이것 때문인지 전시장에는 그 흔한 리플릿 하나 발견할 수 없다. 우리가 흔히 작품 설명에 의지하던 매체(포스터, 책, 잡지, 로고타이프, 그리고 전단지 등)가 본 전시의 주인공이기 때문이다.

<1층 전시실>

시실 입구를 들어가자마자 보이는 것은 후원사의 이름과 함께 덩그러니 놓인 아이맥(작품명: 101개의 지표)이다. 가까이 다가가 마우스를 조작하면, 작가들이 협업한 그래픽 디자인들이 가판대처럼 주욱 늘어선다. 감상자들은 서점 베스트셀러 섹션을 왔다 갔다 하듯. 작가들의 작품을 하나씩 자세히 살펴볼 수도, 거시적인 묶음으로 관망할 수도 있다.

101개의 지표, 김형진 / 최성민

<101개의 지표>는 그래픽 디자인 전의 기본적인 서사 틀이자 참여 작가와 관객 모두를 위해 마련된 공통 레퍼런스다. (..) 선정 과정에서 기획자들은 작품의 조형적 특징이나 상대적 새로움 등 내적인 측면은 물론, 주변에 끼친 영향, 프로젝트 자체가 띠는 의미, 디자인을 의뢰하거나 작업을 도운 기관 또는 개인의 특성 등 외적 차원도 고려했다. 또한, 취향과 편견, 친숙도처럼 주관적인 요소도 배제하지는 않았다. 그러므로 <101개의 지표>는 객관적이거나 권워 있는 ‘걸작 목록’이라기보다 기획자들이 지난 10여 년간 서울 그래픽 디자인계를 돌이켜 볼 때 이정표로 삼는 작품들의 색인에 가깝다.

이번 <그래픽 디자인> 전의 큐레이터는 ‘워크룸 프레스’ 대표 김형진과 ‘슬기와 민’의 최성민이다. 둘은 이번 전시를 위해 특별히 초청된 큐레이터다. 김형진과 최성민은 디자이너임과 동시에 차분하고 이성적인 글쟁이들이다. (두 사람은) 디자이너로서 원하는 것을 표현하는 것에 능숙하면서도, 여러 이야기들을 서사적으로 꿰어 하나의 덩어리를 만드는 데 익숙하다.

둘의 큐레이팅은 그래픽 디자인이 무엇인지 향수(어렴풋이 느낌)로만 느끼고 있던 관객들에게 그 자극을 구체적으로 전달한다. 1층 부터 3층까지 이어지는 전시는 그 흐름을 천천히 좇게 되면서 그래픽 디자인이 무엇인지, 작가들은 그것들을 어떻게 표현하는지, 그리고 이러한 작업들이 어떻게 완성이 되는지를 감각적으로 전달한다.

김형진과 최성민을 초청하여 큐레이팅 한 일민의 센스도 돋보인다. 자신(일민미술관)보다 더욱 주제를 잘 표현할 수 있는 사람을 찾고, 겸허하게 그 공간을 허락할 수 있는 여유와 관록은 일민미술관이 진정으로 미술을 사랑하는 장소라는 증거다.

옵티컬 레이스(Optical Race), 김형재 / 박재현, 벽과 바닥에 비닐 시트 접착, 2016

전시실 바로 왼쪽 벽면엔 <옵티컬 레이스>가 있다. 옵티컬 레이스는 그래픽 디자이너 김형재와 건축을 전공한 박재현을 중심으로 활동하는 창작 집단이다. 본 작품은 두 사람이 통계나 사료 등을 수집하고 시각화하는 작업을 전시한다.

<옵티컬 레이스>는 1965년부터 2015년까지 이어지는 통계 자료를 취합하고 세월이 흐르면서 가시적으로 드러나는 사회의 면모들을 취합한다. 작가는 65-75년, 85-95년, 05-15년까지 세 구획으로 시대를 구분한다. 그리고는 세 구획을 관통하는 통계자료를 엮음으로써 변화하는 사회의 흐름과 그 속에 있는 작가들의 생애(바닥에 위치한 노란색 시트지)를 이산(離散, discrete)적으로 드러낸다.

옵티컬 레이스를 감상하는 관객들. 감상자들은 93년에 태어나지 않았을까 추측해 본다

<옵티컬 레이스>가 조명한 것은 시대적 흐름과 ‘속 구성원’인 그래픽 디자이너의 생애다. 그러나 작품의 메시지는 여기서 멈추지 않는다. 관람자들은 자신의 생애(출생)가 거시적 흐름 중 어디에 있는지 확인하며 작품과 소통한다. 감상자들은 자신의 출생 연도 앞에 서서 자신이 태어난 해에 어떤 일들이 있었고, 그 시절의 GDP는 어떠했으며, 이슈가 되었던 사건은 무엇이 있었는지 대화하고 성찰하는 시간을 갖는다.

작품은 0-14세 인구 비율, 당시 GDP 등을 시각화하며 거시적 흐름 속 구성원의 위치를 돌아보게 한다
옵티컬 레이스 작품 바닥에는 그래픽 디자이너의 출생과 나이(10, 20, 30세 등)가 기재되어 있다 (노란색 시트지)

<옵티컬 레이스>를 보면서, 감상자들은 그래픽 디자인의 영역에 ‘시각화(visualization)’를 추가한다. 이는 그래픽 디자이너들이 포스터, 리플릿 만드는 사람들(=주제를 감각적으로 전달하는 사람들)이라는 기존의 지평을 확장하는 행위다.

이제 전시실 오른편으로 돌아보자. 1층 전시실을 대각선으로 관통하는 나무 상자의 묶음과 액자가 보인다. 더 북 소사이어티, 테이블 유니온, COM이 공동으로 기획한 작품, <불완전한 리스트>다.

작품 ‘불완전한 리스트’를 감상하는 사람들. 본 작품 뒤로 김성구의 작품이 보인다

<불완전한 리스트>는 2000년대 초반부터 최근까지 서울을 중심으로 만들어진 일회성 홍보 인쇄물을 주로 모으는 서재다. 이페머러(ephemera)로 통칭되는 전단, 엽서, 초청장, 소책자 등은 그래픽 디자이너의 작업에서 적지 않은 비중을 차지한다. 이것은 실용성이 강하고 제약이 뚜렷한 덕분에 디자이너가 독특한 시도를 해 볼 기회가 되기도 하지만 장기간 소장되는 책과 달리 비교적 일회적으로 쓰이고 버려지는 탓에 공식적인 디자인 역사에는 제대로 반영되지 못하는 매체이기도 하다. (…후략…)

<불완전한 리스트>의 전시 의의는 ‘그래픽 디자인’전의 기획 의도와 그 맥이 닿아있다. 그것은 예술적이지만 기한이 다 하면 사라질 운명의 작품들(그래픽 디자이너의 산물)을 기억하고 수집(archive)하는 것이다. 유통기한이 지난 책자는 쓰임이 다 했다고 말할 수 있다. 그러나 그 쓰임이 드러나는 방식은 예술이다. <불완전한 리스트>는 이페머러의 예술성에 집중한다. ‘유통기한의 예술’을 기억한다. <불완전한 리스트>는 리플릿, 스티커, 음반과 같은 기한이 다한 작품들 속에서 그것을 실험적으로 표현한 작가들의 정신을 발견하고 수집한다.

불완전한 리스트, 2016
알렉스, 나를 봐요. 나는 10살이고, 내 삶은 반이 지났어요. 그리고 나는 검은 바탕에 흰 줄무늬가 있는지, 흰 바탕에 검은 줄이 그어진지 모르겠어요, 작품: Marty, 양상미
그래픽 디자이너들의 작품들, (왼쪽부터) GARDENERS BEER 스티커, Women Speak! 리플릿, Gerrit Rietveld 연표, 안그라픽스 소책자, 컬러차트 리플릿

<불완전한 리스트>는 본 전시의 주제의식과 밀접하게 소통하고 있다. 이것은 큐레이터(김형진, 최성민)가 밝힌 기획 의도에 그 뿌리가 닿아 있다.

(그래픽 디자인 전의) 연출을 두고, 누군가는 지나치게 에둘렀다고 생각하거나 필요 이상으로 멋을 부렸다고 느낄 수도 있다. 그러나 어쩌면 그래픽 디자인 전시에 관해서는 이처럼 ‘해석된 풍경’을 보여 주는 것이 오히려 정직하고 직접적인 방법일지도 모른다. (… 후략…)

– 김형진, 최성민

그래픽 디자인은 ‘맥락의 예술’이다.

목적성이 뚜렷하고, 예술적이면서도 설득적인 방법으로 주제를 드러내야 하기 때문이다. 이렇게 섞일 수 없는 주제와 개성을 가진 작품들이지만 <그래픽 디자인> 전시는 이러한 속성 때문에 집합 그 자체로 주제 의식을 표현할 수 있다. 이것은 역설적이고도 분열적인 입장이다. <불완전한 리스트>의 요소들이 각 주제에 충실할 수록 그 군집(리스트)은 산만해진다. 그러나 이것들을 관통하는 주제의식은 오히려 점점 더 또렷해진다. 세포들(불완전한 리스트의 요소)의 개성이 넘쳐날 수록, <불완전한 리스트>라는 유기체는 점점 더 생기를 띈다. 작품들이 ‘주제의식’으로 모인 것이 아니라 ‘그래픽 디자이너의 정신’에 초점이 맞아 있기 때문이다.

두 큐레이터는 이러한 수집 행위가 ‘에두른’ 행위라고 표현했지만, 어쩌면 이것이야말로 그래픽 디자인을 정직하게 드러낼 수 있는 방식이다. 메타 데이타에 추가적인 설명을 붙이는 행위는 메타 데이타로서의 가치가 부족함을 드러내는 것이다. 그래픽 디자인은 메타 데이타와 주제의식의 표현이라는 점에서 그 속성이 같다 할 수 있다. 특정 주제를 설명하는 물건을 설명하는 행위는 작품에 대한 모욕이다. 때문에 큐레이터들은 ‘모으는’ 행위마저도 조심스럽다고 했는지 모른다. 그래픽 디자이너들을 존경하는 마음의 표현이다.

‘불완전한 리스트’는 포럼, 전시, 음반, 스티커 등 그래픽 디자이너들의 작업물들을 모았다

그래픽 디자이너들은 (예술적인) 표현력 외에도 주제와 소통하는 능력이 필수적이다. <불완전한 리스트>의 전시는 그래픽 디자이너들의 ‘소통하는’ 습관이 잘 드러난다. 일민미술관은 과거 <동아일보>의 신문 인쇄소였다. 그리고 인쇄소에서 미술관으로 건물을 개조하면서 건물의 안전상 그 구조를 임의로 변경하기 어려운 곳이 존재했다. 1층 전시실의 계단이 그러하다. 계단 위에는 롤러가 있는 인쇄기가 들어가있었다. 미술관은 용도를 변경하는 과정에서 단을 없애려고 했지만, 건물이 무너질 수도 있다는 설계 회사의 조언에 따라 계단을 그대로 두기로 했다. 그리고 2016년, 그래픽 디자인전은 이러한 전시실과도 소통한다.

불완전한 리스트는 그래픽 디자이너들의 아카이브답게 그것을 보관하는 방식 또한 센스가 넘쳤다

작품을 전시하기 위해 만든 간이 테이블은 1층 전시실 계단과 호흡한다. 큐레이터는 전시장의 가장 낮은 계단부터 가장 높은 단까지 높이를 맞춰가며 전시대를 제작했다. 관람객들이 무심결에 지나칠 수도 있는 부분이지만 이것은 그래픽 디자이너들의 작품들을 공평하고 동등하게 보여주기 위한 고민의 산물이다.

이러한 노력 덕분에 감상자들은 그래픽 디자이너들의 작품을 부담스럽거나 편향되지 않게 감상할 수 있다. 관람객들은 감각적이고 화려한 예술의 숲을 거니는 동안, 담백하게 정신을 감싸는 어떤 메시지를 느낄 수 있다. ‘어떤 메시지’의 정체는 모든 그래픽 디자이너들이 공통적으로 가지고 있는 정신이며, 의뢰 주제와 소통하며 자신의 예술 세계를 구축하려는 노력의 구체. 즉 ‘소통하는 마음’이다.

전시실 가운데로 작품명 ‘빌딩’이 세워져 있다. ‘빌딩’은 미술관 1층부터 3층까지를 관통한다, 설계회사 작품

설계회사의 작품 <빌딩>이 표현하고자 하는 바 역시 전시의 주제와 밀접하다. 콘크리트를 얇게 입힌 종이로 기둥 모양 구조를 쌓아 올린 이 작품은 전시장(1층, 2층, 3층)을 관통한다. 말리고 휘어진 백지는 그래픽 디자이너들의 타뷸라 라사(tabula rasa, 백지 종이)다. 작품은 백지 종이를 쌓아 올렸지만 실제론 모든 그래픽 디자이너들의 표현을 포함할 수 있는 가장 큰 가능성을 나타낸다. 아무것도 그려지지 않은 도화지 위에는 어떤 작품이라도 그릴 수 있다.

작품은 백지 종이를 쌓아 올렸지만 실제론 모든 그래픽 디자이너들의 표현을 포함할 수 있는 가장 큰 가능성의 표현이다

종이와 종이 사이를 지탱하는 콘크리트 기둥은 그래픽 디자이너들의 정신이다. 디자이너들은 서로 독립적이고 다양한 산업 분야에서 활동한다. 그러나 이들은 모두 ‘그래픽 디자이너’다. 스티커, 출판물, 에코백, 디지털 영상 등, 자신들의 재능이 드러나는 캔버스는 모두 다르지만 그들은 모두 ‘그래픽 디자이너’다. 통합(united)이다.

구불거리고 비정형적인 종이가 쌓여 하나의 기둥을 이루고, 그것이 전시실 전체를 꿰고 있음은 다양한 영역에서 활동하고 있는 예술가들의 정수를 본질적으로 형상한 다. 그래픽 디자이너가 누구인가에 대한 작가(설계회사, SGHS)의 대답이다.

부스러져 떨어진 콘크리트

이제 1층 전시실의 마지막 작품이 남았다. 이 작품은 디지털 사진을 합성한 작품이다. 김성구 작가의 <요세미티 산에서 외골수 표범이 흰 사자와 우두머리 호랑이를 뛰어넘는다>이다.

요세미티 산에서 외골수 표범이 흰 사자와 우두머리 호랑이를 뛰어넘는다, 김성구, 디지털 출력/플렉스 광고판, 2016

이 작품은 애플 매킨토시 컴퓨터 배경 화면을 짜깁기한 가짜 풍경 사진이다. 성운, 오로라, 요세미티, 남극, 사막, 숲, 설산, 사자, 눈표범, 홍학 등이 불가능한 위치와 크기로 뒤섞인 풍경은, 2005년 ‘타이거’부터 2015년 ‘엘케피탠’까지 여덟 세대 맥 OS X의 데스크톱 배경 화면을 재료로 만들어졌다.

화면은 장엄하고 아름답지만 때로는 초현실적이고 인공적이다. 작가는 이런 이미지들이 지난 10년 간 그래픽 디자이너가 가장 자주 접한 이미지일지도 모른다고 생각했다. 이처럼 익숙한 모티프들이 꿈 또는 악몽처럼 뒤얽힌 이미지는 디자이너를 만들어내고 그들이 만드는 그래픽 풍경의 매혹과 불길함을 떠올리게 한다.

작품은 180 by 600 cm의 큰 크기의 작품이다. 처음에는 이미지를 대강 배치하고 브러시로 슥슥 지워낸 듯 하지만 자세히 보면 작품은 배경화면 간의 색 경계를 생각하고 조화롭게 화면을 구성했다. 왼쪽 하단, ‘요세미티’의 갈색 바위를 끝으로 ‘마운틴 라이언’의 갈기가 시작되고, 보랏빛 후지산 배경화면이 요세미티의 보라색 석양, 오로라의 보랏빛 발색과 이어지는 것이 그렇다.

작가는 그래픽 디자이너들이 매일(어쩌면 악몽같이) 보았을 맥 OS의 배경화면을 구성함으로써 디자이너들의 알파(시작)와 오메가(종료)를 표현한다.

불완전한 리스트, 2016
불완전한 리스트, 2016
불완전한 리스트 아카이브, 2016
옵티컬 레이스, 2016
요세미티 산에서 외골수 표범이 흰 사자와 우두머리 호랑이를 뛰어넘는다, 2016

다음 전시실로 올라갈 차례다. 보통이라면 전시의 끝에 다음 전시로 계단이 이어지게 마련이다. 그러나 일민미술관은 전시실을 한 바퀴 돌아 나와야지만 다음 전시실로 이동할 수 있다. 인쇄소였던 공간을 미술관으로 재구성 했기 때문이다. 처음에는 조금 당황할 수도 있다. 그러나 이것은 일민미술관만이 가지고 있는 매력이기도 하다. 관객들은 다음 전시실로 향하기 위해 계단을 오르면서 지난 주제를 차분히 마음속에 담아 두는가 하면 새로운 주제를 받아들일 마음의 준비를 한다. 마치 새로운 와인을 시음하기 위해 맑은 물로 입을 헹구는 애호가들처럼 말이다. 이제 계단을 오르자.

다음 편에 계속.


본 글은 일민미술관의 <뮤지엄 리포터 2기>의 활동 기록이며, 일민미술관의 협조를 받아 제작되었습니다. 전시된 작품에 관한 모든 저작권은 일민미술관에 있으며, 사진과 글의 저작권은 작성자(속물러s)에게 있습니다. 본 포스팅은 비상업적인 용도로 작성되었음을 밝힙니다. 세이프 하버 조항에 따라 저작권자는 본 콘텐츠 작성자에게 게시 변경, 삭제 요청을 할 수 있습니다.

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